回顾佐藤可士和55年历程，揭秘成功秘诀

信息发布：征集码头网点击次数：6558 更新时间：2021-02-19

佐藤可士和的个展在国立新美术馆举办。本次展览将思考与概念凝聚于“形”之中，同时也是佐藤至今为止的人生与工作的一次回顾。此次采访，佐藤讲述了55年来的心路历程。

展览最后的装饰主视觉作品名为「LINES/FLOW」。这是不锈钢制成的「LINE」。佐藤说：“直线是自然界不存在的概念”。还制作了有田烧陶板的版本。

决心成为创作者的美大时代

美术大学的入学考试是以实际技巧为主，所以得先去美术预备学校的冬季讲习班学习素描。第一天，老师教我们用木炭画Hermes。我起初以为这会是漫长的3个小时，然而画着画着却受到了雷击般的冲击：“这就是应试学习？太有趣了吧！”一回家就向非常兴奋地向母亲宣言说：“我要去美大当一名创作者。”。

当时，美大的设计专业是1/30～50录取率的超难关。我考了2年的多摩美术大学平面设计专业才被录取。在入学典礼上，原是预科学校的备考伙伴、后来成为好友的朋友们的欢迎词便是：“就等你呢！”，第二天我们就一起组建了朋克乐队，然后度过了愉快的大学生活。美术大学课程的课题本身也有很多。除此之外，我也会做自主作品去参赛、参展。加上还有乐队的活动，真的很忙碌。我那时对乐队相当着迷，在八王子一个人生活的时候，可以连续弹20个小时的吉他埋头作曲。大学2年级的夏天，会有那么一瞬间觉得“做音乐也和画画一样啊”。

音乐的力量让我意识到：创意具有无限的可能性

我的音乐是自学的，不会读乐谱也不会写。但是，当我思考“我为什么能作出来呢？”的时候，我发现自己是用和画画的过程完全一样的思考方式来作曲的。我在美大学习绘画和设计，所以善于逻辑性地去理解事物。决定主题、思考概念，通过视线诱导来设定表现形式。我就是用这样的方法来作曲的。为了衬托出一段旋律，加入这个音比较好，或者是在这个乐句重复之后变换旋律改变调子等，在意识到作曲其实和用色彩、形状画画是一样的瞬间，我也意识到了创意的可能性是无限的。

我意识到设计不仅仅是图形、空间、时尚、立体，什么都能做。这也是我现在工作活动的基础。音乐扩展了我的可能性。但是，因为吉他弹得太差了，就放弃了成为音乐家的梦想（笑）。在那时，博报堂被称为“半数以上多摩美术生的目标”，我怀揣着成为艺术指导的目标参加了博报堂的入社考试。

博报堂时代最大的收获

找工作必选的便是博报堂。因为艺术指导大贯卓也先生是我们憧憬的明星，觉得进了博报堂就可以做大贯先生那样的工作。但是我最初的被分配到的地方是大阪。“进入大贯团队锻炼”的梦想一下子就破灭了。但是在大阪也有了别的机缘。我用第一份奖金买了苹果电脑。我和同事忘我地讨论Mac、电脑的可能性甚至彻夜未眠，去到印刷店请教关于数字印刷的知识，于是创作出了作品《6ICONS》（1989年）。那是我在博报堂第一次使用Mac制作数字化海报。

大阪时代设计的「6ICONS」、独立后首次项目「SMAP」、新西兰的葡萄酒「ワイマラマ」等作品

进入博报堂4年后，我终于实现了与大贯先生一起工作的梦想，同时我也意识到了自己原先存在的误区。在那之前，我以为广告是做出来的，就是把自己的想法和创意附加到商品和企业之上。但是大贯先生认为广告并不是自我表现。那之后，本田的小型货车“Step WGN”（'96~'04年）的广告便诞生了。该广告精准把握住家庭汽车的本质，以“和孩子一起去哪儿？”为主题，描绘了和孩子一起开车出门的快乐理念。博报堂时代最大的收获就是让我明白了“答案在对方心中”。在那之前，项目有时顺利，有时不顺利，我一直不明白其中缘由，烦恼了5年，但意识到这一点之后，一切都开始变得顺利，工作评价也完全改变了。

我在博报堂工作了11年，最后一个项目是“麒麟柠檬”（2000年）。从商品开发到广告战略，麒麟柠檬是我从一开始就一直跟进的。当时的广告代理公司，很少有与品牌设计（建立）相关联的项目机会，通常只有广告。所以麒麟柠檬对我来说是第一个商品品牌项目。从品牌设立起就介入其中，以前做的都像是在鞋子上挠脚的感觉，这是第一次有了直接接触到脚般的体验。我想用设计的力量来进行品牌设计等更广泛的活动。

在汽车的广告中，商品的照片竟然可以放这么小？——让人大吃一惊的本田的“STEPWGN（步进式旅行车）”广告。广告词为：“和孩子一起去哪儿？”，凭借和孩子一起开车出行的快乐理念，创下了迷你车No.1（1997年）的销售业绩。

举办55年来的回顾展作为总结

2000年，我独立出来成立了SAMURAI。接到的第一项工作便是国民组合“SMAP”的企划。和TAGTAT的多田琢先生合作，从CD封面、演唱会周边的设计到广告，我都亲自参与了策划交流的全部工作。SMAP的企划仅用红、蓝、黄三种颜色的图像表现，并将街头本身作为媒介，这也是我期待已久的工作。并且，它的效果简直就像在第一次击球席上打出满垒全垒打一样。我一直负责SMAP的视觉形象工作直到他们解散，一共17年。

此外，至今为止，我还亲自参与了许多项目，如在教育领域首次与建筑师合作的“富士山公园”（2005年）项目、地方再生 “今治毛巾”（2007年）项目的品牌设计等。此外，我出版了著作，并担任了庆应义塾大学SFC的特聘教授，有建筑人员参与的空间设计服务也趋于正规化，工作的范围渐渐扩大。

然后是2016年。这一年对我来说是个节点。我有幸被任命为文化厅文化交流使，次年去到了纽约、伦敦、巴黎三个城市，向世界传播日本的文化。此外，我还被选为“ARITA 400 project”的嘉宾艺术家，在制作有田烧的作品时，我一直封印着的创作家魂开关被“啪”地一声打开了。其实在此之前，“艺术家性”是被我特意封印着的，所以真的是久违了的感觉。关闭着的频道打开了，这也和本次的“佐藤可士和展”有着一定的关联。

继三宅一生先生、安藤忠雄先生之后，国立新美术馆的个展

2016年，国立新美术馆提议举办个展时对我说：“2016年是时尚设计师三宅一生先生，2017年是建筑设计师安藤忠雄先生，2020年的时候就该佐藤可士和先生了。”这是我一直憧憬的地方，所以非常开心。能在国立美术馆办展，可以说是历史留名了。也从侧面证明了：我持续了30年的设计工作、所提供的品牌服务和设计的价值获得了公众的认可。但，当我看到2000㎡的展厅的瞬间，老实说也产生了困惑。我的作品并不能像画一样进行展示。

展览现场

例如，logo可以说是我工作中代表性的一部分。logo本身是数据，我该用怎样的载体、怎样的展陈方式才好呢？既有像今治毛巾那样的的5mm的小标签，也有像优衣库的室外店招那样即使取下来也拿不过来的大型标志。于是我借用了东京近郊的仓库，建造了和展厅一样高的展墙，一边模拟一边从头开始制作大部分的作品。以迄今为止的作品为基础，逐一思考与其匹配的素材、载体、以及展陈方式，并追加了新的创意。

为了让不同年龄层的来馆者都能享受展览，我们的目标绝不只是介绍项目，而是通过展览传达作为一个创作者在思考着什么、在制作着什么。每个展厅都有各自的主题，而宽敞的展厅本身就是一部作品，从中能了解我——佐藤可士和作为创作者的思考与成长轨迹。请大家务必去到会场，亲身体验一番。