“平面设计只会出现在 Pinterest 和 Instagram 上。”
Neville Brody 是每个记者的梦想。他有一种久经磨练的技巧，能以讽刺和挑衅的口吻，随时准备登上头条，对设计行业进行挑战，而其他人可能会花上几个小时来才能想出来并且做到。作为20世纪80年代以来最著名的平面设计师之一，他非常擅长这类事情。即使那些在英国没听说过他名字的人也肯定看过他的作品：他为第四频道设计字体，为BBC和卫报设计网站，更别提他与 RCA、巴比肯、ICA 和 V&A 等机构合作的作品，以及他设计的2014英格兰世界杯(England World Cup)足球字体了。
尽管如此，Brody工作室的大多数客户其实都来自海外。有一部分原因是因为英国人有一种习惯，就是故意无视成功者，而盲目地支持失败者（稍后会详细介绍）另一部分原因则要归因于 Brody 所认的英国文化，即设计师只是“服务的提供者”。
Brody工作室并不只是想出漂亮的解决方案。他说，“我们提出策略，我们应对问题，然后深入研究。英国品牌文化总是与此大相径庭，不是吗？(客户)通常会以天价聘请品牌顾问，然后委托代理公司制作更视觉化的东西——就像购买资产一样。而他坚信，这两方面是不可分割的。
Brody 并不总是与大型国际品牌合作，但他确实一直致力于以系统、策略和概念性思维为基础的设计，而这些也都是各种艺术和设计历史的基础。他为 Fetish Records 永不过时的唱片设计也是如此;还有他的印刷实验性杂志《The Face》，以及1991年的 Fuse项目，一个基于磁盘的新字体电子杂志和2010年的反设计节等等。今年早些时候，我们采访了 Brody(目前是皇家艺术学院教授，同时也是 Brody联合工作室的负责人)，这位设计师对自己的工作非常乐观和兴奋，但也同时宣称“平面设计已死”。
当你回顾你早期的唱片设计和在The Face杂志社工作时，你的那种“朋克”心态是如何贯穿你的整个职业生涯的?
我把(朋克)和达达主义联系在一起。它们都是关于危险的想法和思维，即对任何事物都需要保持警惕和质疑。这也并不是一时兴起突发奇想。
还有是从“艺术大爆炸”开始的：当摄影技术在19世纪中后期出现后，它把艺术从复制现实中解放出来。肖像画突然变成了一种纯粹的精英奢侈品。由此而来的是，在艺术中对存在理由的追求。艺术再也没有必要维持现状了。所以在此之后产生了印象派，表现主义，达达主义。他们认为艺术应该永远是有意识的审判者：它应该反映社会的弱点，而不是社会的虚荣。这是巨大的转变。
“朋克，对我来说，是达达主义文化质疑的延伸——我们不必遵循传统。”
达达主义有未来主义的分支（不幸的是，那后来变成法西斯主义——然后是建构主义）。与包豪斯学院一致的是，它展望了一个属于科学家、建筑师、设计师、艺术家和梦想家充满希望的未来。
就算怀旧，我也对那些时代并不感兴趣，这是因为我仍认为现在这个时代的想法是如此鼓舞人心。态度也尤为重要。所以，朋克，对我来说，是达达主义文化质疑的延伸——我们不必遵循传统。
你对自己的职业生涯有规划吗?你现在合作的品牌显然与 Cabaret Voltaire 唱片设计不同。
平面设计师所面对的两难的窘境是：如果不找到一份为他人服务的工作，你怎么做有社会意识和挑战性的工作，怎么填饱肚子？其次，当你处于社会边缘，不被看到时，如何产生影响？第二个问题的答案是，你永远不能处于边缘而对内施加影响。你要么把社会转移到以你为中心的地方，要么你必须处于社会中心。如果你在游离在外，你永远无法改变什么。我一直知道，我必须让别人看到我的作品。某种意义上来说，设计唱片封面比在 The Face杂志社工作更具挑战性。
那以何种方式呢？
在更早的阶段我就已经尝试了图像和排版。事实证明，The Face杂志社是一个平台，一个让我备受瞩目，移向新生事物的焦点中心，影响到更多人想法的平台。在某种程度上，它是一种有意识的载体。在最初的两三年里，在这里的工作被认为是非常具有挑战性的。然而从那以后，它就成为了一种追逐的时尚。这并不是我想要的，所以我离开了。社会吸纳足够多的挑战的基因，很快就把它们中和，使其变得无能和无害。颇具讽刺意味的是，去 Arena(他在1986年以杂志设计师的身份加入)就是为了建立系统并创造系统的流动性，而我的工作室现在再次重演。
“你永远不能处于边缘就对内施加影响。如果你一直游离在外，你永远不会改变任何事情。”
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当你刚开始工作的时候，你设想过你的未来职业道路吗?
那时我们根本没想象到电脑会带来什么，无论是在萧条时期，还是濒临破产的过去。1988年，我在 V&A博物馆举办回顾展，然而六个月后，我们就濒临破产，因为我们的英国客户都不愿继续与我们合作，而我们也无法获取新的客户。然而与此同时，日本和德国的客户开始联系我们，他们目光超前，并愿意与我们合作。自那以后，我们几乎都是国际合作。在英国，我认为人们往往倾向于对名字已知的人有强烈的反感。
这难道不是非常迟钝的方式来支持弱者吗?
我知道英国人很讨厌出头鸟。可展览的目的不正是向人们展示不同的思维和想法吗？这并不是为了虚荣。
而且在 V&A博物馆，你根本不可能有一个面子工程……
的确。在第一本书(Jon Wozencroft)的《内维尔•布洛迪的图形语言》，与1988年的展会同期出版)是关于如何推动人们接受创意和文案的，视觉则是通向他们背后思考的大门。当20世纪早期艺术家和设计师，比如达达主义者举办时装秀时，他们不被认为是虚荣，而是被认为是对外延伸拓展。
而且在 Fuse 项目中，最重要也是最有趣的事情是，它再次回到了具有挑战性的文化的共同战线中，去发寻一个有意识的替代方案。我们如何创造和思考新的语言形式，来真正挑战和揭示我们的思维呢？我仍然认为 Fuse 还有很多未开发的潜力。我们曾想把它扩展到音乐、产品设计、建筑等其他领域，但我们耗尽了资金和精力。而且，做类似于反设计节这样的事情，需要做大量的工作。对我来说，这和 Face杂志社，朋克，Richard Hamilton 是一样的。现在，这可能更多地体现在我在 RCA 的教学中。
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你能多分享一些这种教学方法吗?
我们并没有意识到我们的反应在多大程度上受到制约。在设计实践中,我们往往有内置的首选。生活艰难，工作经常充满挑战，所以我们倾向于去摘最低挂的果实。于是我们创建一个系统，学生们不断被迫接触不熟悉的领域。他们没有摘要，仅有一些提示。
是什么样的提示呢?
这取决于被给出提示的人，以及问题背景。Adrian Shaughnessy 曾为我们做了其中一个课程活动，他给出的提示是奇点。学生们必须明确他们的意图是什么，这对他们意味着什么。然后，在很短的时间内，他们必须做出来一些东西。
当我们任由设计成为一个非常脆弱的无界空间时，学生所熟悉的设计常态被打破，他们必须发展新的思维方式和新的反应。我们称 RCA 的教学为“后学科”。你仅是一个想要沟通的实践者。你可以做一张海报，或者一个声音片段；你可以设计一个实体空间，或者写一本小说。我们试图用这样一种方式来教导你，让你想要的回应与你想要传达的信息相称。
“平面设计只会出现在 Pinterest 和 Instagram上。”
这就回到了你所说的艺术“大爆炸”——不是让信息以你所知道的方式来传递，而是根据你想要传达的东西来调整你自己。
我认为我们正处于一个奇怪的时代：标题应该是“平面设计已死”。“某些方面，它确实是这样的，不是吗?”平面设计只能在 Pinterest 和 Instagram 上看到。
当你谈到平面设计，你实际上指的是什么?
这问题问得很好。公司越来越需要用户体验设计师、程序员、和社交媒体营销专家。这与商标、品牌、海报或传单无关——这些都是现实世界中的东西。人们除了点外卖外也不需要直接寄送了。你买不到杂志，因为它们都在网上，它们已经不再是真正的设计了。
这太挑衅了。
的确如此，我是说，你会建立一个模板，但仅此而已。这很公式化，你并不是独立地设计每一篇文章。因为现在这都是后端工程和前端营销。因此，平面设计往往会更多地出现在书籍和出版中。它自身已然变成了一个产业：为平面设计师进行平面设计。
“你现在买不到杂志，因为它们都在网上，它们已经不再是真正的设计了。平面设计本身已然变成了一个产业：为平面设计师平面设计。”
所以说平面设计在人们日常接触的事物上的应用已死吗?
没错。现在的平面设计更多是为平台构建模板，以及为可视化语言构建工具箱。它不再是在杂志上进行美丽的页面设计，因为那些杂志早已不停留在纸质实体，而是在数字环境中，在可扩展的跨平台数字环境中，这样做早就不适用了。
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当你的学生毕业时，你会给他们什么建议呢?
第一，了解你工作的环境。理解客户的观点、社会背景、你必须处理的政治问题——身份、权力、偏见——这些都必须成为你有意识实践的一部分。它不仅是去上大学或艺术学校，学习平面设计，想办法在毕业后找到一份工作。更重要的是你需要运用技巧，去探索，去面对这个你仅需回应而非控制的世界。
一些学生终将从声音设计专业毕业，转行图形设计师，或是从动画毕业，转行字体设计师。那些老式的技能头衔已不再是身份证明。这并不是说平面设计已死，平面设计师已死。而是我们的工作性质已发生了剧变。我们需要做的是要将视觉能力赋能他人。所以我想，平面设计的前100年，可能是从达达开始，到 Covid结束。
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作者 Emily Gosling，
照片 ©Neville Brody ，
翻译许严尹
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